Velázquez y Goya
1.- Velázquez en su contexto artístico
1.1.- Introducción
1.2.- Características generales de la pintura Española del Siglo XVII
1.3.- Grandes maestros de la pintura española del Siglo XVII
A.- Ribalta
B.- Ribera
C.- Zurbarán
D.- Murillo
E.- Velázquez
F.- Después de Velázquez
2.- Goya en su contexto artístico
2.1.- Introducción
2.2.- Goya: Su vida
2.3.- Goya: Su obra
3.- Resumen
1.- Velázquez en su contexto artístico
1.1.- Introducción
Año 1600 siglo de Oro de la pintura Española; conviven personalidades como Zurbarán, ribera, Ribalta, Alonso Cano, Valdés Leal, Murillo y por supuesto Velázquez.
El contexto histórico coincide con el fin del reinado de la casa de los Austria en España. A los largo del XVII reinan los 3 últimos Austria: Felipe III (1598- 1621); Felipe IV (1621-1665) y Carlos II (1665-1700). Momento de depresión económica, deterioro de las actividades agrícolas y comerciales, Fin del "Imperio Español". Mientras que otros estados consolidan su incipiente burguesía, que desarrollará el capitalismo, España se empobrecerá.
Frente a este decadencia social y política se produjo el florecimiento estraordinario de las letras (se publica El Quijote, se publica a Góngora, a Quevedo, Lope de Vega, Calderón de la barca y Tirso de Molina.
1.2.- Características generales de la pintura Española del Siglo XVII
La Pintura Española del XVII es "naturalista", trata de recuperar lo real, lo verosimil. Es fundamental en la recuperación de la realidad las aportaciones de Caravaggio con el tenebrismo. La pintura española del XVII no se entiende sin Caravaggio. En 1612 se busca lo real, destacando las formas con un intenso foco de luz sobre fondos oscuros, el que sea la luz la que determine las formas, favorecerá plenamente el desarrollo del maturalismo. En El Escorial se abandona la estética idealista del Renacimiento, para mostrarnos unos personajes mucho más humanos y reales. Transición entre el Renacimiento y el Barroco en España, se puede nombrar a Bartolomé Carducho, que participa en la decoración del claustro principal del Monasterio de El Escorial. En esta decoración ya está latente la tendencia al realismo y a la utilización de fuertes contrastes lumínicos. Destacamos al pintor Luca Cambiaso, pintor que trata la luz y adelanta lo que luego será el tenebrismo. Aunque sus pinturas para la bóveda y el coro no están muy conseguidas (rígidas e inexpresivas) en los lienzos del altar y el oratorio privado logra transmitir inmediatez e intimidad que preconizan una nueva estética.
Entre los españoles de esta escuela Escurialense del XVI al XVII hay que citar a Luis de Carvajal y a Juan Fernandez de Navarrete (Navarrete el mudo).
La pintura española del XVII es religiosa, estamos en la España de la contrareforma. En el aspecto técnico, los autores se entregan al estudio de la luz, alcanzando Velázquez una meta todavía hoy no superada "en la representación del aire".
1.3.- Grandes maestros de la pintura española del Siglo XVIILa pintura española del XVII es religiosa, estamos en la España de la contrareforma. En el aspecto técnico, los autores se entregan al estudio de la luz, alcanzando Velázquez una meta todavía hoy no superada "en la representación del aire".
A.- Ribalta
Francisco Ribalta (1565-1628), nace en Solsona (Lérida), fundador de la "escuela valenciana", empieza a cultivar en España el tenebrismo y el naturalismo. Domina la estética renacentista. Su "Cristo sostenido por ángeles" es una buena muestra.
En su obra "La Cena" vemos a un Cristo idealizado, no alcanza la fuerza expresiva del resto de los personajes. También es interesante esta obra por el juego de luces. Estamos en los inicios del tenebrismo, el foco de luz se colocará fuera de la obra, acentuando la sensación de espacio real y haciendo que el espectador participe en la escena.
En "Aparición del ángel y del cordero a San Francisco", el estilo de Ribalta ya contiene todas las cualidades del naturalismo barroco, personajes individualizados, iluminación tenebrista e interés por la realidad inmediata y por lo emocional. Esta es sin duda la gran aportación de Ribalta a la pintura española del XVII; sus seguidores son su hijo Juan Ribalta, y Juan Jacinto Espinosa.
José de Ribera (1591-1652) nace en Játiva (Valencia), se instala en Nápoles hacia 1661 y allí reside hasta su muerte. Su formación es Italiana y en su estilo, la influncia de Caravaggio es innegable. Ribera fué un dibujante extraordinario. La preocupación por la luz y el realismo definen toda su obra.
De entre sus primeras obras citamos "Los desposorios de Santa Catalina", en el MOMA, es más renacentista que barroca pero yq tiene interés por reflejar lo cotidiano y lo real.
La temática es religiosa. Ribera es un pintor de santos, "San Juan Bautista", "Santiago" y "San Roque", todos en el Prado. "Martirio de San Bartolomé"; el protagonista de la escena es el movimiento.
Entre las obras de temática distinta a la religiosa, encontramos las de tema mitológico: "Sileno ebrio", "Ixion" y "Ticio". "Demócrito" y "Arquímedes", como toda su obra es de un realismo exultante, la luz es completamente tenebrista.
C.- ZurbaránDe entre sus primeras obras citamos "Los desposorios de Santa Catalina", en el MOMA, es más renacentista que barroca pero yq tiene interés por reflejar lo cotidiano y lo real.
La temática es religiosa. Ribera es un pintor de santos, "San Juan Bautista", "Santiago" y "San Roque", todos en el Prado. "Martirio de San Bartolomé"; el protagonista de la escena es el movimiento.
Entre las obras de temática distinta a la religiosa, encontramos las de tema mitológico: "Sileno ebrio", "Ixion" y "Ticio". "Demócrito" y "Arquímedes", como toda su obra es de un realismo exultante, la luz es completamente tenebrista.
Francisco de Zurbarán (1598-1664) nace en Fuente de Cantos (Badajoz) y se forma artísticamente en Sevilla. Se la considera pintor de vida monástica. Sus clientes son dominicos, jerónimos, y cartujos; estilo realista y sencillo, ajeno a toda complicación compositiva. Sus composiciones triunfan en los aspectos que definen la pintura barroca española: el naturalismo y el tenebrismo.
El nucleo de su obra lo forman los ciclos monásticos. Así se marca que en la iglesia del Monasterio se representan escenas de la vida de Cristo.
Las composiciones monásticas de Zurbarán son composiciones tranquilas, sin movimiento, en las que los poersonajes son fuente de luz y al irradiar luz se acentúa la plasticidad de las formas. Personajes impregnados de realismo y veracidad.
Intervino en la decoración de la Cartuja de las Cuevas (Sevila), del Monasterio de Guadalupe (Cáceres) y de la Cartuja de Jerez. Destacar los bodegones de Zurbarán. Son composiciones sencillas y ordenadas en las que trata de revelar la cantidad misma de los objetos representados.
Se la encargan diez lienzos que representan los trabajos de Hércules. Estas son obras concebidas de un modo excesivamente teatral y faltas de perspectiva.
En cualquier caso su estancia en Madrid servirá para enriquecer su obra, sobre todo desde el punto de viste de la luz.
Los ciclos monásticos fueron los que convirtieron a Zurbarán en el pintor de más éxito de Sevilla entre 1630 y 1645. A partir de esa fecha irrumpe en el panorama artístico Murillo, encarnando un estilo pictórico más luminoso y decorativo, quedando el estilo de Zurbarán en un segundo plano. Tras su muerte su estilo cayó en el olvido hasta el XIX momento en que su obra se redescubre gracias a la apertura de en El Louvre de la galería española del rey Luis Felipe en la que figuraban muchas de sus obras adquiridas de los conventos tras la desamortización de Mendizabal. Estudios del último siglo han situado a Zurbarán en el lugar que le corresponde, entre los más grandes pintores del Barroco Español.
D.- MurilloEl nucleo de su obra lo forman los ciclos monásticos. Así se marca que en la iglesia del Monasterio se representan escenas de la vida de Cristo.
Las composiciones monásticas de Zurbarán son composiciones tranquilas, sin movimiento, en las que los poersonajes son fuente de luz y al irradiar luz se acentúa la plasticidad de las formas. Personajes impregnados de realismo y veracidad.
Intervino en la decoración de la Cartuja de las Cuevas (Sevila), del Monasterio de Guadalupe (Cáceres) y de la Cartuja de Jerez. Destacar los bodegones de Zurbarán. Son composiciones sencillas y ordenadas en las que trata de revelar la cantidad misma de los objetos representados.
Se la encargan diez lienzos que representan los trabajos de Hércules. Estas son obras concebidas de un modo excesivamente teatral y faltas de perspectiva.
En cualquier caso su estancia en Madrid servirá para enriquecer su obra, sobre todo desde el punto de viste de la luz.
Los ciclos monásticos fueron los que convirtieron a Zurbarán en el pintor de más éxito de Sevilla entre 1630 y 1645. A partir de esa fecha irrumpe en el panorama artístico Murillo, encarnando un estilo pictórico más luminoso y decorativo, quedando el estilo de Zurbarán en un segundo plano. Tras su muerte su estilo cayó en el olvido hasta el XIX momento en que su obra se redescubre gracias a la apertura de en El Louvre de la galería española del rey Luis Felipe en la que figuraban muchas de sus obras adquiridas de los conventos tras la desamortización de Mendizabal. Estudios del último siglo han situado a Zurbarán en el lugar que le corresponde, entre los más grandes pintores del Barroco Español.
Cronológicamente, hay que situar a Velázquez antes de Murillo en el XVII.
Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) nace en Sevilla, junto con Valdés Leal, serán las dos grandes figuras de la escuela Sevillana del último tercio del XVII.
Se aleja completamente de la teatralidad de la pintura Italiana. En sus inicios, influído por Zurbarán y Ribera, sus lienzos tenebristas, evolucionan luego por contacto con la obra de Van Dyck y de la escuela flamenca en una pintura más colorista.
De una primera etapa podemos destacar "La Sagrada Familia del Pajarito", "La Anunciación" y "La Adoración de los Pastores", se aprecia esa manera suya de concebir los temas religiosos y su pintura en general. Es una pintura fina fina y tranquila, sin estridencias ni grandiosidades.
Hacia 1656 pinta "San Antonio contemplando al Niño", apreciandose un estilo totalmente nuevo. Con tonos suaves y un gran dominio de la luz se recrea en la belleza y en la ternura. De "La inmaculada Concepción" hay numerosas versiones. Murillo también trató temas de tipo profano, niños, mendigos y enfermos; entre ellos podemos destacar "Niño ppordiosero", "Niños jugando a los dados" y "Niños comiendo melón"; estas escenas infantiles son completamente originales en la pintura española.
Murillo murió en 1682 al caerse del andamio en el que trabajaba realizando los "Desposorios de Santa Catalina", retablo de la iglesia de los Capuchinos de Cádiz.
E.- VelázquezBartolomé Esteban Murillo (1618-1682) nace en Sevilla, junto con Valdés Leal, serán las dos grandes figuras de la escuela Sevillana del último tercio del XVII.
Se aleja completamente de la teatralidad de la pintura Italiana. En sus inicios, influído por Zurbarán y Ribera, sus lienzos tenebristas, evolucionan luego por contacto con la obra de Van Dyck y de la escuela flamenca en una pintura más colorista.
De una primera etapa podemos destacar "La Sagrada Familia del Pajarito", "La Anunciación" y "La Adoración de los Pastores", se aprecia esa manera suya de concebir los temas religiosos y su pintura en general. Es una pintura fina fina y tranquila, sin estridencias ni grandiosidades.
Hacia 1656 pinta "San Antonio contemplando al Niño", apreciandose un estilo totalmente nuevo. Con tonos suaves y un gran dominio de la luz se recrea en la belleza y en la ternura. De "La inmaculada Concepción" hay numerosas versiones. Murillo también trató temas de tipo profano, niños, mendigos y enfermos; entre ellos podemos destacar "Niño ppordiosero", "Niños jugando a los dados" y "Niños comiendo melón"; estas escenas infantiles son completamente originales en la pintura española.
Murillo murió en 1682 al caerse del andamio en el que trabajaba realizando los "Desposorios de Santa Catalina", retablo de la iglesia de los Capuchinos de Cádiz.
Diego Rodríguez de Silva Velázquez nace en Sevilla en 1599, a los 11 años comenzó a usar el apellido materno, el primogénito de 7 hermanos. Empieza su aprendizaje primero con Herrera el Viejo y luego con Pacheco. Pacheco no era un artista de calidad, pero si era un hombre culto y a él le deve Velázquez una amplia formación cultural. Su etapa de aprendiz dura 5 años, en 1617 aprueba el examen que le capacita para ejercer como pintor y abrir su propio taller. En 1618 se casa con Juana Pacheco, su suegro, moviendo sus influencias le situará cerca de la Corte, donde pudo enriquecer su arte.
Distinguimos en la obra de Velázquez dos etapas bien diferenciadas: La primera etapa de formación y aprendizaje en Sevilla que comprende obras realizadas entre 1617-1622 y 4na seg4nda etapa de madurez, en contacto casi exclusivo con la Corte, con la única excepción de sus dos viajes a Italia. Esta etapa comprende los años de 1623 a 1660, año de su muerte.
.-Etapa de Formación (1617-1622)
Obras como "El aguador de Sevilla", "Vieja friendo huevos", "Cristo en casa de Marta y María". Encontramos un Velazquez vinculado al tenebrismo naturalista, de factura liza y dibujo preciso. Pocos personajes, vulgares e individualizados, dispuestos en torno a una mesa que adquirieron un protagonismo importante los elementos que aparecen sobre ella, recordando a bodegones con figuras de la escuela flamenca del XVI.
En esta etapa de juventud predominan los colores oscuros.
En 1622 viaja a Madrid por primera vez. Visita el Escorial quedando impresionado con la obra de Tiziano, Tintoretto y Veronés. Durante esta estancia en Madrid pinta el primero de sus grandes retratos, el del poeta Luis de Góngora. Vuelve a Sevilla y será el propio Conde Duque de Olivares quien requiera su presencia en Madrid. A partir de ese momento comienza su etapa de madurez.
.-Etapa de Madurez (1623-1660)
Esta etapa la dividimos en 3 periodos.
1.-De 1623 a 1631.
Durante los seis años que median entre su traslado a la Corte y su primer viaje a Italia en 1629, su estilo comienza a transformarse. Abandona la temática religiosa y los bodegones para dedicarse al retrato y a la temática mitológica. Probablemente comienza su serie de bufones.
De estos años, el retrato del Infante Don Carlos, de gran elegancia y naturalidad aunque todavía con fuertes vinculaciones al tenebrismo que ya desaparece en el segundo gran retrato de este período, el retrato del rey Felipe IV con el cual logra romper con el modelo distante y rígido de la retratistica real anterior. El retrato debió ser muy del gusto del Rey porque Velázquez fué nombrado pintor de Cámara.
De estos años es también el "Triunfo de Baco", conocido como "los Borrachos". Mantiene el carácter realista de los personajes, incluido Baco, totalmente himanizado. Posiblemente para su Baco Velázquez se inspiró en el Baco adolescente de Caravaggio. Aunque la pincelada ya es más suelta y ligera, la luz es todavía tenebrista y el colorido oscuro.
Hacia 1628 entra en contacto con Rubens que se encontraba en la corte Madrileña y esta relación será fundamental para Velazquez. Viaja a Italia, permanece en 1629 y 1631; su estancia en Italia será decisiva para la transformación de su estilo. Durante esta estancia pinta "La Fragua de Vulcano" y "La Túnica de José", obras de distinta temática pero muy similares en cuanto a tamaño y estilo. En el colorido suave de ambas se aprecia la influencia de la pintura veneciana. Ha desaparecido el tenebrismo y las formas comienzan a ser más precisas.
Estamos en el inicio de la "perspectiva aérea", la luz no sólo debe servir para iluminar objetos y figuras sino también debe permitir ser el aire entre ellos.
2.-De 1631 a 1648.
De regreso a Madrid desarrolla una gran actividad como pintor de corte, realizando grandes composiciones como "La rendición de Breda", también conocida como "Las Lanzas", es un cuadro de historia en el que se representa el momento en el que Justino de Nassau entrega las llaves de Breda a Antonio Spinola. Velazquez enaltece a un ejército que triunfa pero que no humilla. Se aprecia la evolución de Velazquez sobre todo en cuanto a colorido y luminosidad, el protagonismo de la luz y el color dan fe de la plenitud del artista. El paisaje de Breda, inventado por Velazquez, con humaredas y bruma de campo de batalla, vistas a través de las picas o lanzas, componen uno de los mejores paisajes de Velázquez.
También para el salón de Reinos realiza los retratos ecuestres de Felipe III y Felipe IV y de sus esposas Margarita de Austria e Isabel de Borbón, así como el retrato del príncipe heredero Baltasar Carlos, hay todos en El Prado.
En estos mismos años y para el pabellón de caza de la torre de la Parada situado en los Montes del Pardo, Velázquez realiza los retratos de Felipe IV, del Cardenal Infante D.Fernando y Príncipe Baltasar Carlos, todos ellos vestidos de cazadores y con un fondo del paisaje de la sierra de Guadarrama.
También la Torre de la Parada fueron destinados algunos del los retratos de los bufones, todos ellos de gran realismo. En "El niño de Vallecas", "Calabacillas" y "Pablo de Valladolid" logra definir el espacio sólo con luces y sombras. En palabras de Manet, "Pablo de Valladolid" es "el trozo de pintura más asombroso que se haya realizado jamás.
En 1648 por encargo del Rey vuelve a ir a Italia. El objetivo del viaje era la compra de obras de arte para la decoración del Buen Retiro.
3.-De 1648 a 1660.
Durante su segundo viaje a Italia pinta los magníficos retratos del Papa "Inocencio X" y de su criado "Juan de Pareja" así como los dos espléndidos paisajes de los "Jardines de Villa Medicis", todos a base de grandes pinceladas largas y sueltas, es una pincelada casi impresionista.
También de esta segunda estancia en Italia es "La Venus del Espejo" en la National Gallery de Londres, único desnudo de Velazquez y primer desnudo sin caracter moralizante de la pintura Española. El cuerpo de la Venus forma una gran curva que acentúa el carácter sensual del desnudo.
Todas estas obras y las que realizará hasta su muerte reflejan ya un estilo perfectamente consolidado. En esta etapa se desarrolla plenamente la perspectiva aérea. Consigue crear una atmósfera entre unos fondos cada vez menos nítidos y los objetos más inmedistos, que ganan en luz y limpieza.
En 1651 regresa a Madrid, va a realizar sus dos obras antológicas "las hilanderas" y "Las Meninas".
En "Las hilanderas" conocida como "La fábula de aracne" Velázquez nos muestra en primer plano lo que podría ser una escena de género: unas hilanderas trabajando en su taller. El verdadero argumento del cuadro está al fondo, en una especie de escenario o tapiz en el que se representa la disputa de Minerva, diosa de las Artes e inventora del Telar con Aracne, la más hábil tejedora, catigada a tejer eternamente por haberse atrevido a desvelar en uno de sus trabajos los amores de Zeus con la mortal Europa.
Las hilanderas es de 1657 y un año antes Velázquez había pintado "las Meninas", calificada en 1692 por Luca Giordano como la "teología de la pintura".
"Las Meninas", conocida en su tiempo como "La familia de Felipe IV" es el retrato de la Infanta Margarita en una estancia del Alcazar, acompañada por sus meninas o damas de honor, Agustina Sarmiento que la ofrece una bebida e Isabél de Velasco; completan la escena otros miembros de su séquito como los enanos Maribárbola y Nicolás Pertusato. En un extremo del cuadro el propio Velazquez aparece realizando un gan lienzo, mientras que los reyes Felipe IV y Mariana de Austria entran en la sala o posan para el pintor. Las imágenes de los Reyes se reflejan en un espejo del fondo, espejo a través del cual el propio espectador entra en la escena, participando en ella. Al fondo, abriendo una puerta (permitiendo la entrada de otra fuente de luz) el aposentador real José Nieto.
"Las Meninas" es una obra insuperable, la luz es la que define o diluye según convenga, los volúmenes, creando una ilusión óptica del espacio real. La perspectiva aérea ha llegado al pleno desarrollo, ya que es el aire lo que se palpa en los espacios que separan a los distintos personajes. La presencia del Rey junto al pintor, hecho excepcional en la historia de la pintura, manifiesta la nobleza del arte de la pintura y por tanto del propio Velazquez. Cuando en 1658 es nombrado Caballero de la Orden de Santiago, consiguiendo su viejo sueño de convertirse en noble, se representa en "las Meninas", con la cruz sobre el pecho, pero con los atributos de la pintura (paleta y pincel en las manos).
Velazquez muere en Madrid el 6 de Agosto de 1660. Un pintor flamenco le dedica una frase en 1650 al ver el retrato de "Juan Pareja" dice: "Todo lo demás es pintura y este sólo es verdad".
F.- Después de Velázquez: último tercio del XVII.Distinguimos en la obra de Velázquez dos etapas bien diferenciadas: La primera etapa de formación y aprendizaje en Sevilla que comprende obras realizadas entre 1617-1622 y 4na seg4nda etapa de madurez, en contacto casi exclusivo con la Corte, con la única excepción de sus dos viajes a Italia. Esta etapa comprende los años de 1623 a 1660, año de su muerte.
.-Etapa de Formación (1617-1622)
Obras como "El aguador de Sevilla", "Vieja friendo huevos", "Cristo en casa de Marta y María". Encontramos un Velazquez vinculado al tenebrismo naturalista, de factura liza y dibujo preciso. Pocos personajes, vulgares e individualizados, dispuestos en torno a una mesa que adquirieron un protagonismo importante los elementos que aparecen sobre ella, recordando a bodegones con figuras de la escuela flamenca del XVI.
En esta etapa de juventud predominan los colores oscuros.
En 1622 viaja a Madrid por primera vez. Visita el Escorial quedando impresionado con la obra de Tiziano, Tintoretto y Veronés. Durante esta estancia en Madrid pinta el primero de sus grandes retratos, el del poeta Luis de Góngora. Vuelve a Sevilla y será el propio Conde Duque de Olivares quien requiera su presencia en Madrid. A partir de ese momento comienza su etapa de madurez.
.-Etapa de Madurez (1623-1660)
Esta etapa la dividimos en 3 periodos.
1.-De 1623 a 1631.
Durante los seis años que median entre su traslado a la Corte y su primer viaje a Italia en 1629, su estilo comienza a transformarse. Abandona la temática religiosa y los bodegones para dedicarse al retrato y a la temática mitológica. Probablemente comienza su serie de bufones.
De estos años, el retrato del Infante Don Carlos, de gran elegancia y naturalidad aunque todavía con fuertes vinculaciones al tenebrismo que ya desaparece en el segundo gran retrato de este período, el retrato del rey Felipe IV con el cual logra romper con el modelo distante y rígido de la retratistica real anterior. El retrato debió ser muy del gusto del Rey porque Velázquez fué nombrado pintor de Cámara.
De estos años es también el "Triunfo de Baco", conocido como "los Borrachos". Mantiene el carácter realista de los personajes, incluido Baco, totalmente himanizado. Posiblemente para su Baco Velázquez se inspiró en el Baco adolescente de Caravaggio. Aunque la pincelada ya es más suelta y ligera, la luz es todavía tenebrista y el colorido oscuro.
Hacia 1628 entra en contacto con Rubens que se encontraba en la corte Madrileña y esta relación será fundamental para Velazquez. Viaja a Italia, permanece en 1629 y 1631; su estancia en Italia será decisiva para la transformación de su estilo. Durante esta estancia pinta "La Fragua de Vulcano" y "La Túnica de José", obras de distinta temática pero muy similares en cuanto a tamaño y estilo. En el colorido suave de ambas se aprecia la influencia de la pintura veneciana. Ha desaparecido el tenebrismo y las formas comienzan a ser más precisas.
Estamos en el inicio de la "perspectiva aérea", la luz no sólo debe servir para iluminar objetos y figuras sino también debe permitir ser el aire entre ellos.
2.-De 1631 a 1648.
De regreso a Madrid desarrolla una gran actividad como pintor de corte, realizando grandes composiciones como "La rendición de Breda", también conocida como "Las Lanzas", es un cuadro de historia en el que se representa el momento en el que Justino de Nassau entrega las llaves de Breda a Antonio Spinola. Velazquez enaltece a un ejército que triunfa pero que no humilla. Se aprecia la evolución de Velazquez sobre todo en cuanto a colorido y luminosidad, el protagonismo de la luz y el color dan fe de la plenitud del artista. El paisaje de Breda, inventado por Velazquez, con humaredas y bruma de campo de batalla, vistas a través de las picas o lanzas, componen uno de los mejores paisajes de Velázquez.
También para el salón de Reinos realiza los retratos ecuestres de Felipe III y Felipe IV y de sus esposas Margarita de Austria e Isabel de Borbón, así como el retrato del príncipe heredero Baltasar Carlos, hay todos en El Prado.
En estos mismos años y para el pabellón de caza de la torre de la Parada situado en los Montes del Pardo, Velázquez realiza los retratos de Felipe IV, del Cardenal Infante D.Fernando y Príncipe Baltasar Carlos, todos ellos vestidos de cazadores y con un fondo del paisaje de la sierra de Guadarrama.
También la Torre de la Parada fueron destinados algunos del los retratos de los bufones, todos ellos de gran realismo. En "El niño de Vallecas", "Calabacillas" y "Pablo de Valladolid" logra definir el espacio sólo con luces y sombras. En palabras de Manet, "Pablo de Valladolid" es "el trozo de pintura más asombroso que se haya realizado jamás.
En 1648 por encargo del Rey vuelve a ir a Italia. El objetivo del viaje era la compra de obras de arte para la decoración del Buen Retiro.
3.-De 1648 a 1660.
Durante su segundo viaje a Italia pinta los magníficos retratos del Papa "Inocencio X" y de su criado "Juan de Pareja" así como los dos espléndidos paisajes de los "Jardines de Villa Medicis", todos a base de grandes pinceladas largas y sueltas, es una pincelada casi impresionista.
También de esta segunda estancia en Italia es "La Venus del Espejo" en la National Gallery de Londres, único desnudo de Velazquez y primer desnudo sin caracter moralizante de la pintura Española. El cuerpo de la Venus forma una gran curva que acentúa el carácter sensual del desnudo.
Todas estas obras y las que realizará hasta su muerte reflejan ya un estilo perfectamente consolidado. En esta etapa se desarrolla plenamente la perspectiva aérea. Consigue crear una atmósfera entre unos fondos cada vez menos nítidos y los objetos más inmedistos, que ganan en luz y limpieza.
En 1651 regresa a Madrid, va a realizar sus dos obras antológicas "las hilanderas" y "Las Meninas".
En "Las hilanderas" conocida como "La fábula de aracne" Velázquez nos muestra en primer plano lo que podría ser una escena de género: unas hilanderas trabajando en su taller. El verdadero argumento del cuadro está al fondo, en una especie de escenario o tapiz en el que se representa la disputa de Minerva, diosa de las Artes e inventora del Telar con Aracne, la más hábil tejedora, catigada a tejer eternamente por haberse atrevido a desvelar en uno de sus trabajos los amores de Zeus con la mortal Europa.
Las hilanderas es de 1657 y un año antes Velázquez había pintado "las Meninas", calificada en 1692 por Luca Giordano como la "teología de la pintura".
"Las Meninas", conocida en su tiempo como "La familia de Felipe IV" es el retrato de la Infanta Margarita en una estancia del Alcazar, acompañada por sus meninas o damas de honor, Agustina Sarmiento que la ofrece una bebida e Isabél de Velasco; completan la escena otros miembros de su séquito como los enanos Maribárbola y Nicolás Pertusato. En un extremo del cuadro el propio Velazquez aparece realizando un gan lienzo, mientras que los reyes Felipe IV y Mariana de Austria entran en la sala o posan para el pintor. Las imágenes de los Reyes se reflejan en un espejo del fondo, espejo a través del cual el propio espectador entra en la escena, participando en ella. Al fondo, abriendo una puerta (permitiendo la entrada de otra fuente de luz) el aposentador real José Nieto.
"Las Meninas" es una obra insuperable, la luz es la que define o diluye según convenga, los volúmenes, creando una ilusión óptica del espacio real. La perspectiva aérea ha llegado al pleno desarrollo, ya que es el aire lo que se palpa en los espacios que separan a los distintos personajes. La presencia del Rey junto al pintor, hecho excepcional en la historia de la pintura, manifiesta la nobleza del arte de la pintura y por tanto del propio Velazquez. Cuando en 1658 es nombrado Caballero de la Orden de Santiago, consiguiendo su viejo sueño de convertirse en noble, se representa en "las Meninas", con la cruz sobre el pecho, pero con los atributos de la pintura (paleta y pincel en las manos).
Velazquez muere en Madrid el 6 de Agosto de 1660. Un pintor flamenco le dedica una frase en 1650 al ver el retrato de "Juan Pareja" dice: "Todo lo demás es pintura y este sólo es verdad".
En Madrid, entre los pintores de Carlos II la lección del maestro se hizo muy notable.
Juan Carreño Miranda 1614-1685, fué nombrado pintor de cámara en 1669 realizando varios retratos de Carlos II. A su muerte ocupará su puesto de pintor de corte, el portugués Claudio Coello 1642-1693, último pintor de lo que llamamos La escuela de Madrid. En Claudio Coello son fuertes la influencias de Van Dyck, Rubens, Tiziano y Velázquez en complicadas composiciones cargadas de personajes.
2.- Goya en su contexto artístico
2.1.- Introducción
Goya nace en 1746, impera en Europa el rococó, surgirá el nacimiento
ideal neoclásico. Cuando Goya muere en 1828 es el romanticismo la
tendencia que triunfa en el ámbito cultural y artístico. La vida de Goya
por tanto transcurre en estos 3 periodos de la historia del arte, su
obra no es rococó, ni neoclásica ni romántica. El creo su estilo propio,
su propio genio y su obra es de difícil clasificación estilística.
El periodo histórico en el que vive Goya es de cambios trascendentales, no sólo en lo político, sino también en lo social, en lo económico y en lo cultural. Es la época del fin del antiguo régimen y del nacimiento de uno nuevo, con la revolución francesa de 1789. Goya va a ser el artista de esta nueva época que nace y en su pintura se reflejaran las tensiones y la complejidad del momento.
2.2.- Goya: Su vidaEl periodo histórico en el que vive Goya es de cambios trascendentales, no sólo en lo político, sino también en lo social, en lo económico y en lo cultural. Es la época del fin del antiguo régimen y del nacimiento de uno nuevo, con la revolución francesa de 1789. Goya va a ser el artista de esta nueva época que nace y en su pintura se reflejaran las tensiones y la complejidad del momento.
El 30 de Marzo de 1796 nace en Fuendetodos (Zaragoza). En los primeros años de su vida asiste a las Escuelas Pias de Zaragoza y con 14 años ingresa en el taller de un pintor modesto, José Luzán Martínez, con el que estudiará durante 4 años.
En 1763 se traslada a Madrid, continuando su aprendizaje y participando sin éxito en alguno de los concursos que convocaba la Real Academia de San Fernando, para obtener becas de estudios.
A finales de los 60 realiza un viaje a Italia del que solo se sabe que participa en un concurso convocado por la academia de Parma, ganado un segundo premio con la obra "Anibal contempla por primera vez Italia desde los Alpes", hoy desaparecida.
Con 26 años se casa con Josefa Bayeu, hermana de Francisco Bayeu, entra a formar parte del grupo de pintores de cartones que trabaja para la Real Fábrica de Tapices de Madrid.
En 1780 ingresa en la Real Academia de San Fernando, se encarga de la decoración de otra bóveda de la Basílica del Pilar.
En 1781 trabaja para la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid.
La década de 1780 a 1790 es la mejor etapa de la vida de Goya. Durante esos años es nombrado pintor de cámara por el Rey, ocupa también un distinguido puesto en la Academia de San Fernando y los encargos se multiplican, su posición económica es desaogada.
Poco antes de 1790 una grave enfermedad no termina con su vida, pero le deja sordo. La sordera le aísla del exterior y comienza a desarrollar una imaginación desbordante.
Tras la invasión napoleónica y después de haber presenciado escenas de horror y guerra, se acentúa, más si cabe, la vena pesimista de Goya. Es el momento de "Los Desastres".
Con la restauración borbónica Goya es mantenido como pintor de cámara por Fernando VII.
En 1819 ya viudo compra una casa en las cercanías del Manzanares, la llamada "Quinta del Sordo", que decora con la espléndida serie de "Pinturas negras" en las que da rienda suelta a todos sus fantasmas.
En 1824, pide permiso al Rey para abandonar la corte. Se establece en Bureos en compañia de Leocadia Weiss, mujer con la que comparte su vida en los últimos años, y allí muere el 28 de Marzo de 1828. Allí es enterrado hasta el año 1910, año en que sus restos se trasladan a Madrid, siendo enterrado en 1929 en la ermita de San Antonio de la Florida, cobijado por sus magníficos frescos; el aspecto lo conocemos a través de autoretratos.
2.3.- Goya: Su obra
Es uno de los gigantes de la pintura de todos los tiempos. En su estudio vamos a distinguir 4 etapas:
1.- Primer periodo: de 1762 a 1775.
Primeras obras: "la Gloria del nombre de Dios", pinturas sobre la vida de la Virgen que hizo para la Iglesia de Aula-Dei, también en Zaragoza. Son obras de corte barroco y de gusto académico por influencia de Mengs de Bayeu.
2.- Segundo periodo: de 1775 a 1792.
En 1775 Goya se ha establecido en Madrid y ha comenzado a trabajar para la Real Fábrica de tapices, en los cartones que servirán para la elaboración de los tapices que decorarían los palacios reales . Bajo las directrices de Mengs, director de la Real Fábrica, debe ceñirse a la temática y al modo impuesto, puramente decorativo y de carácter costumbrista. A pesar de esto, los cartones servirán a Goya para perfeccionar su técnica. Sus primeros cartones son de temas de caza, en seguida se inclina por reflejar temas de vida cotidiana, "el cacharrero", "la nevada o el invierno", "Las floreras o la primavera" , "La gallina ciega", poseen una calidad innegable, por su complejidad compositiva, el movimiento de las figuras o los mismos paisajes.
En 1780 decora la cúpula y las pechinas del Pilar de Zaragoza.
Goya se revela como magnífico retratista. Retratará a cortesanos y personajes ilustres de su tiempo, pero también a artistas y toreros famosos, captando rasgos psicológicos y mostrando la simpatía o indiferencia que tuviese el pintor por el modelo. "La Familia del Duque de Osuna" y "El conde de Floridablanca".
3.- Tercer periodo: de 1792 a 1808.
En este periodo, ya sordo, se aparta de la visión optimista de los años anteriores para mostrarnos la vida en toda su crudeza. Con un aimaginación desbordante, realiza "Los Caprichos" al aguafuerte. La serie se inicia con "El sueño produce monstruos", vemos al pintor dormido y con una serie de murciélagos revoloteando en torno a él.
Goya ejecuta estos grabados con una absoluta libertad y constituyen una visión crítica de los vicios y costumbres de su época. Son imágenes grotescas e hirientes, apostilladas con cuatro o cinco palabras al pie de la imagen. Para los ilustrados, las 80 estampas que constituyen los Caprichos representan una obra moralizante en la que se atacan los males que más afligen a la sociedad, la cual por otro lado vive uno de los momentos más agitados de la sociedad Española (motín de Aranjuez, abdicación de Carlos IV, guerras con Inglaterra, Trafalgar y finalmente la invasión francesa).
En 1799 Goya había sido nombrado Pintor de cámara y como tal realiza en 1800 "La Familia de Carlos IV" que es un auténtico retrato psicológico de cada uno de los retratados. Carlos IV junto a su mujer Maria Luisa de Parma, que con toda la intención ocupa la posición central del cuadro con el infante Francisco de Padua cogido de su mano. A la izquierda Don Carlos María de Isidro y el Príncipe de Asturias, Futuro Fernando VII. Cierran el grupo los hermanos del Rey, y en un extremo del cuadro como lo hiciera Velazquez en "Las Meninas", se coloca el propio Goya. Con influencia neoclásica, no hay movimiento en los personajes pero sí expresión que nos permite deducir el carácter de todos y cada uno de ellos.
Por encargo de Godoy realiza las dos majas, vestida y desnuda. lo reseñable de esta técnica es el dominio de la técnica, que sea la Duquesa de Alba es algo anecdótico.
Antes de la guerra de la independencia reslizará otros magníficos retratos en los que se aleja del todo para mostrarnos la individualidad de cada personaje; "El Conde Fernán Núñez", "Jovellanos", "Moratín", "Bartolomé Sureda" o el de "La Marquesa d Santa Cruz".
4,.Cuarto periodo: de 1808 a 1828.
Goya renueva constantemente su técnica pictórica. Los acontecimientos históricos van a marcar esta última etapa de la vida de Goya, es cuando estalla la guerra de la indepndencia. Goya está en Madrid pintando un retrato de Fernando VII. Es llamado por Palafox a Zaragoza y en este viaje tiene ocasión de ver los hechos que inspiran su serie de estampa "desastres de la guerra", verdadera crónica de la guerra de la independencia, subraya el sufrimiento de todo un pueblo. Como en el caso de "Los Caprichos" los dos procedimientos son el aguafuerte y el aguatinta. La colección se incia con "Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer"; suele dividirse en dos partes. Una primera compuesta de 65 estampas que refleja la guerra y los efectos del hambre en Madrid y una segunda parte, de sentido político y de crítica a la ideología absolutista. Las estampas de la segunda etapa se llaman "Caprichos enfáticos", las escenas son de crudeza total aunque no hace de la violencia un espectáculo, ofreciendo lo más significativo sin contrapartida alguna.
Además de "Los Desastres", La Guerra de la Independencia es el tema para alguna pintura narrativa, "Los fusilamientos el 3 de Mayo" y "La carga de los mamelucos en la puerta del Sol. Ambas son de una exaltación del patriotismo madrileño, sin héroes concretos, se trata de ensalzar la actitud de un pueblo.
En "Los Fusilamientos" predomina la sencillez técnica, con fuertes contrastes de luces y sombras y un patetismo en la expresión de los personajes que será un precedente del Expresionismo.
En "La carga de los Mamelucos" se representa el enfrentamiento del pueblo de Madrid con la caballería francesa. La lucha, el combate, se hacen próximos al espectador y con esto se le implica en ello.
La guerra será el motivo de su "Coloso", pintura de carácter alegórico en la que un gigante que bien puede simbolizar su propia guerra, cruza unas montañas provocando pánico y arrasando todo lo que encuentra.
De estos años son la colección de 33 estampas realizadas al aguafuerte y aguatinta, agrupadas bajo el nombre de "Tauromaquia" y realizadas para ilustrar un libro sobre las corridas de toros, por las que Goya sintió verdadero interés y afición.
Con la vuelta de Fernando VII, España vive una época de absolutismo represivo en la que Goya parece llevar una vida retirada; se dedica principalmente a dibujar. Son dibujos en aguada de tinta china o sepia en los que como en "los Caprichos" pone un texto al pie que ayuda a concretar la imagen y nos permite comprender las opiniones de Goya. Los dibujos se han agrupado en una serie de Álbumes, realizados entre 1814 y 1823. En estos dibujos reina lo grotesco y lo esperpéntico. La temática es muy variada: escenas callejeras, escenas de la inquisición, persecuciones políticas, torturados, etc.
En 1829 Goya se traslada a vivir a "La Quinta del Sordo". Tiene 73 años y realiza su testamento pictórico: los 14 óleos sobre yeso denominadas "Pinturas negras" : "Saturno", "El Gran Cabron", "La romería de San Isidro", "La Leocadia", "Judith y Holofernes", "Dos Viejos", "Dos Viejos comiendo sopa"; "El Perro hundido", "Duelo a garrotazos", "Hombres leyendo", "Dos jóvenes burlándose de un hombre", "Atropos o las Parcas", "Paseo del santo oficio", "Amodea". En las pinturas negras no hay luz.
Antes de marcharse a Francia, Goya realiza una serie de grabados que se publicarán muchos años después, en 1864 y que se conocerán con el nombre de "Disparates"; aquí hay una perfecta unión entre lo grotesco y lo siniestro. La fantasía es desbordante, representa un mundo onírico y alucinante, con una utilización de la luz y del espacio que acentúan el carácter irracional de las escenas.
Con 77 años marcha a Francia, instalándose en burdeos, hace litografías y pinta. Los dibujos de esta época se recogen n los albumes G y H, muestran escenas de la vida cotidiana y también visiones fentásticas con una maestría y una veracidad insuperables. En Francia perfeccionará la técnica litográfica destacando "Los Toros de Burdeos". Los más destacable es "La Lechera de Burdeos" y el retrato de "Juan Bautista de Muguiro", aqui Goya se reconcilia con la Luz. El retrato de Juan Muguiro lo realiza a los 81 años antes de morir y es de maestría absoluta. El contraste entre la luminosidad de la piel y la oscuridad de la indumentaria y la libertad de la pincelada convierten en maestra esta obra.
3.- ResumenEn 1780 decora la cúpula y las pechinas del Pilar de Zaragoza.
Goya se revela como magnífico retratista. Retratará a cortesanos y personajes ilustres de su tiempo, pero también a artistas y toreros famosos, captando rasgos psicológicos y mostrando la simpatía o indiferencia que tuviese el pintor por el modelo. "La Familia del Duque de Osuna" y "El conde de Floridablanca".
3.- Tercer periodo: de 1792 a 1808.
En este periodo, ya sordo, se aparta de la visión optimista de los años anteriores para mostrarnos la vida en toda su crudeza. Con un aimaginación desbordante, realiza "Los Caprichos" al aguafuerte. La serie se inicia con "El sueño produce monstruos", vemos al pintor dormido y con una serie de murciélagos revoloteando en torno a él.
Goya ejecuta estos grabados con una absoluta libertad y constituyen una visión crítica de los vicios y costumbres de su época. Son imágenes grotescas e hirientes, apostilladas con cuatro o cinco palabras al pie de la imagen. Para los ilustrados, las 80 estampas que constituyen los Caprichos representan una obra moralizante en la que se atacan los males que más afligen a la sociedad, la cual por otro lado vive uno de los momentos más agitados de la sociedad Española (motín de Aranjuez, abdicación de Carlos IV, guerras con Inglaterra, Trafalgar y finalmente la invasión francesa).
En 1799 Goya había sido nombrado Pintor de cámara y como tal realiza en 1800 "La Familia de Carlos IV" que es un auténtico retrato psicológico de cada uno de los retratados. Carlos IV junto a su mujer Maria Luisa de Parma, que con toda la intención ocupa la posición central del cuadro con el infante Francisco de Padua cogido de su mano. A la izquierda Don Carlos María de Isidro y el Príncipe de Asturias, Futuro Fernando VII. Cierran el grupo los hermanos del Rey, y en un extremo del cuadro como lo hiciera Velazquez en "Las Meninas", se coloca el propio Goya. Con influencia neoclásica, no hay movimiento en los personajes pero sí expresión que nos permite deducir el carácter de todos y cada uno de ellos.
Por encargo de Godoy realiza las dos majas, vestida y desnuda. lo reseñable de esta técnica es el dominio de la técnica, que sea la Duquesa de Alba es algo anecdótico.
Antes de la guerra de la independencia reslizará otros magníficos retratos en los que se aleja del todo para mostrarnos la individualidad de cada personaje; "El Conde Fernán Núñez", "Jovellanos", "Moratín", "Bartolomé Sureda" o el de "La Marquesa d Santa Cruz".
4,.Cuarto periodo: de 1808 a 1828.
Goya renueva constantemente su técnica pictórica. Los acontecimientos históricos van a marcar esta última etapa de la vida de Goya, es cuando estalla la guerra de la indepndencia. Goya está en Madrid pintando un retrato de Fernando VII. Es llamado por Palafox a Zaragoza y en este viaje tiene ocasión de ver los hechos que inspiran su serie de estampa "desastres de la guerra", verdadera crónica de la guerra de la independencia, subraya el sufrimiento de todo un pueblo. Como en el caso de "Los Caprichos" los dos procedimientos son el aguafuerte y el aguatinta. La colección se incia con "Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer"; suele dividirse en dos partes. Una primera compuesta de 65 estampas que refleja la guerra y los efectos del hambre en Madrid y una segunda parte, de sentido político y de crítica a la ideología absolutista. Las estampas de la segunda etapa se llaman "Caprichos enfáticos", las escenas son de crudeza total aunque no hace de la violencia un espectáculo, ofreciendo lo más significativo sin contrapartida alguna.
Además de "Los Desastres", La Guerra de la Independencia es el tema para alguna pintura narrativa, "Los fusilamientos el 3 de Mayo" y "La carga de los mamelucos en la puerta del Sol. Ambas son de una exaltación del patriotismo madrileño, sin héroes concretos, se trata de ensalzar la actitud de un pueblo.
En "Los Fusilamientos" predomina la sencillez técnica, con fuertes contrastes de luces y sombras y un patetismo en la expresión de los personajes que será un precedente del Expresionismo.
En "La carga de los Mamelucos" se representa el enfrentamiento del pueblo de Madrid con la caballería francesa. La lucha, el combate, se hacen próximos al espectador y con esto se le implica en ello.
La guerra será el motivo de su "Coloso", pintura de carácter alegórico en la que un gigante que bien puede simbolizar su propia guerra, cruza unas montañas provocando pánico y arrasando todo lo que encuentra.
De estos años son la colección de 33 estampas realizadas al aguafuerte y aguatinta, agrupadas bajo el nombre de "Tauromaquia" y realizadas para ilustrar un libro sobre las corridas de toros, por las que Goya sintió verdadero interés y afición.
Con la vuelta de Fernando VII, España vive una época de absolutismo represivo en la que Goya parece llevar una vida retirada; se dedica principalmente a dibujar. Son dibujos en aguada de tinta china o sepia en los que como en "los Caprichos" pone un texto al pie que ayuda a concretar la imagen y nos permite comprender las opiniones de Goya. Los dibujos se han agrupado en una serie de Álbumes, realizados entre 1814 y 1823. En estos dibujos reina lo grotesco y lo esperpéntico. La temática es muy variada: escenas callejeras, escenas de la inquisición, persecuciones políticas, torturados, etc.
En 1829 Goya se traslada a vivir a "La Quinta del Sordo". Tiene 73 años y realiza su testamento pictórico: los 14 óleos sobre yeso denominadas "Pinturas negras" : "Saturno", "El Gran Cabron", "La romería de San Isidro", "La Leocadia", "Judith y Holofernes", "Dos Viejos", "Dos Viejos comiendo sopa"; "El Perro hundido", "Duelo a garrotazos", "Hombres leyendo", "Dos jóvenes burlándose de un hombre", "Atropos o las Parcas", "Paseo del santo oficio", "Amodea". En las pinturas negras no hay luz.
Antes de marcharse a Francia, Goya realiza una serie de grabados que se publicarán muchos años después, en 1864 y que se conocerán con el nombre de "Disparates"; aquí hay una perfecta unión entre lo grotesco y lo siniestro. La fantasía es desbordante, representa un mundo onírico y alucinante, con una utilización de la luz y del espacio que acentúan el carácter irracional de las escenas.
Con 77 años marcha a Francia, instalándose en burdeos, hace litografías y pinta. Los dibujos de esta época se recogen n los albumes G y H, muestran escenas de la vida cotidiana y también visiones fentásticas con una maestría y una veracidad insuperables. En Francia perfeccionará la técnica litográfica destacando "Los Toros de Burdeos". Los más destacable es "La Lechera de Burdeos" y el retrato de "Juan Bautista de Muguiro", aqui Goya se reconcilia con la Luz. El retrato de Juan Muguiro lo realiza a los 81 años antes de morir y es de maestría absoluta. El contraste entre la luminosidad de la piel y la oscuridad de la indumentaria y la libertad de la pincelada convierten en maestra esta obra.
Velázquez en su contexto artístico:
Contexto artístico-cultural: XVII soglo de Oro español, Barroco.
Contexto histórico:
.-Fin del reinado de los Austrias y del Imperio Español.
.-Deterioro de las actividades comerciales, agrícolas e industriales.
.-Guerras en el exterior y en el interior de España.
Características de la pintura del XVII:
.-Tema religioso.
.-Naturalismo.
.-Tenebrismo.
Grandes maestros de la pintura Española del XVII
.- Ribalta: Fundador de la escuela de Valencia, iniciadora del tenebrismo y naturalismo en España. "Aparición del Ángel y del cordero a San Francisco".
.- Ribera: Pintor de Santos. Todavía cercano a Renacimiento, interés por lo cotidiano. Formación Italiana, influencias de Caravaggio. Luces colorista y sombras oscuras, tronco ribereño, acentúa la monumenbtalidad "Martirio de San Bartolomé".
.- Zurbarán: Pintor de la vida monástica. Formación sevillana. Estilo renacentista y sencillo, con fines didácticos. Consagración del tenebrismo y del naturalismo. Composiciones tranquilas y sin movimiento, sus personajes son la fuente de luz.
.- Murilo: Figura destacada de la escuela sevillana. Pintura sosegada y apacible, tonos suaves y armónicos. Evoluciona desde el tenebrismo a una pintura más colorista. Es el pintor de la inmaculada y pinturas infantiles.
.- Velázquez: Aprendizaje con Herrera el Viejo y Francisco Pacheco. En 1617 abre su taller. Distinguimos 2 etapas en su obra:
1.-Formación en Sevilla 1617-1622 Vinculada al tenebrismo naturalista "Vieja friendo huevos".
2.-Madurez con 3 periodos:
1623-1631: su traslado a la corte hasta su primer viaje a Italia. Retrataq a Felipe IV. Comienza a pintar el aire.
1631-1648: marcado por el colorido y la limunosidad, numerosos retratos y grandes composiciones: "La Rendición de Breda".
1648-1660: segundo viaje a Italia. Pleno desarrollo de la perspectiva aérea "las Hilanderas", "Las Meninas".
Después de Velázquez: Carreño de Miranda y Claudio Coello.
Goya en su contexto artístico
Nace en la época del Rococó, sucedido por neoclásico y muere en pleno romanticismo. Fin del antiguo régimen y nacimiento de un nuevo orden con la Revolución Francesa.
Goya, su vida 1746-1828
Nace en Fuendetodos, Zaragoza, y en 1763 se traslada a Madrid.
A fines de 1860 viaja a Italia. A los 27 años se casa con Josefa Bayeu y a través de su cuñado entra en la Real fábrica de tapices en 1774 como pintor de cartones para los tapices. En 1780 ingresa en la Real Academia de San Fernando. Nombrado pintor de cámara. Enferma en 1790 y queda sordo. Compra y decora "La Quinta del Sordo". Muere en Burdeos en 1828.
Goya, su obra:
1.- 1762-1775: obras de corte barroco "Bóveda del coro de la Basílica de El Pilar"
2.- 1775-1792: cartones de la fábrica de tapices.Retratos de nobles "La Familia de Los Duques de Osuna"
3.- 1792-1808: obras de pesimismo, sordera, "Los Caprichos" y "Familia de Carlos IV"
4.- 1808-1828: la guerra marca su obra: "Los Desastres", "Los fusilamientos del 3 de Mayo", "La Carga de los Mamelucos", "El Coloso", precedente del expresionismo. Pinturas negras en "La Quinta del sordo". Últimos años de vida en Francia: "La lechera de Burdeos", anuncio del impresionismo.
A fines de 1860 viaja a Italia. A los 27 años se casa con Josefa Bayeu y a través de su cuñado entra en la Real fábrica de tapices en 1774 como pintor de cartones para los tapices. En 1780 ingresa en la Real Academia de San Fernando. Nombrado pintor de cámara. Enferma en 1790 y queda sordo. Compra y decora "La Quinta del Sordo". Muere en Burdeos en 1828.
Goya, su obra:
1.- 1762-1775: obras de corte barroco "Bóveda del coro de la Basílica de El Pilar"
2.- 1775-1792: cartones de la fábrica de tapices.Retratos de nobles "La Familia de Los Duques de Osuna"
3.- 1792-1808: obras de pesimismo, sordera, "Los Caprichos" y "Familia de Carlos IV"
4.- 1808-1828: la guerra marca su obra: "Los Desastres", "Los fusilamientos del 3 de Mayo", "La Carga de los Mamelucos", "El Coloso", precedente del expresionismo. Pinturas negras en "La Quinta del sordo". Últimos años de vida en Francia: "La lechera de Burdeos", anuncio del impresionismo.
#velazquez#goya#sigloXVII
